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Minimalismos 2

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Multitud de puntos organizados en un espacio discreto

Estos últimos años estuve viajando muchísimo, armandome unas cuantas casas, una atrás de la otra, en diferentes países. Por lo que no tengo más remedio que reflexionar sobre la liviandad y el despojamiento. ¿Qué es realmente lo necesario para esta obra? ¿Necesito en realidad esta olla de hierro de mil kilos? ¿Voy a leer este libro? ¿Otro par de botas? ¿2 kilos de papas, really? Me estoy volviendo más sintética. Indispensable cuando se vive en un quinto piso por escalera. Ojalá me sirva esta gimnasia del despojamiento para mis obras.
Schumann ideo un sistema de pesas colgantes para fortalecer algunos dedos de su mano debilitada  y poder tocar el piano. Tal vez yo debería usar algo parecido cuando compongo, el mecanismo de Schumann atado a la mano que sostiene la pluma, para poder pensar en cada nota con sudor y lágrimas. Y ahí si me compro la olla de mil kilos.

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Escenario 360

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Mi más intensa gimnasia minimalista se pone en marcha cada vez que tengo que presentar mi ciclo Musique Concrète. No en términos de composición, ya que la obra tiene ya su doble barra, sino en términos de puesta: como organizar los objetos en escena. .Si bien las secciones del ciclo Musique Concrète son austeras en su estética, el conjunto forma un entramado saturado. El espacio de Musique Concrète no es el espacio escénico teatral sino el espacio de una instalación/concierto.  Pensándolo en una retrospectiva, veo que este ha sido también el espíritu de mis trabajos de cámara de los últimos diez años.

Link al proyecto Musique Concréte

Hay una diferencia entre lo teatral clásico y el espacio de tipo instalación. La cuarta pared del teatro, propone un espacio partido: los intérpretes estean obligados a actuar en dos dimensiones y media. Los músicos, si bien son tridimensionales pero siempre se ubican de coté, como en las comedias de la tele, donde un familión está sentado sumamente apretado en un sólo lado de la mesa para no tapar a la cámara que los filma.

La idea de un espacio conceptual más amplio, más 3D me permite patear el tablero de la caja italiana y volver a ubicar los objetos en un un espacio que es de otra índole.

Mis obras no son instalaciones ni improvisaciones. Son eventos manifiestamente performativos, a ser producidos en vivo. Su cualidad performativa no significa que no puedan a su vez compartir un concepto de curaduría más cercano a las artes plásticas que la idea de puesta que propone el espacio dramático del teatro.

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Dos #1 (2011) and Dos #2 (2015)

Dos #1 for voice and two pickup players (or tape)
commissioned by Stichting Plan B, Amsterdam
Dos #2 for violin, cello and two pickup players (or tape)
commissioned by DieOrdnungDerDinge, Berlin

Working with recordings brings the possibility to recall different versions of the same piece. Old voices are in counterpoint with the live performance and the music splits into diverse historical lines. As a science fiction movie, the past converges with the present: in an ex-temporary gesture, Schumann is reflected on vinyl, the future for him.
In classical musical instruments, model, year, material, and builder have an enormous impact on the characteristics of their sound. The same happens with domestic appliances: every model, every speaker, every decade, brings its own particular sound.
These domestic appliances are generally built to be used at home and not in a stage. In this music -never better employed the term chamber music- domestic appliances bring the atmosphere of a house to the stage.
Devices are in dialogue with live instruments or the human voice in a “concerto” form. A historical pre-recorded vinyl version of Schumann´s Carnival is manipulated live in a “live electronics” DJ style.
The name Dos (two) refers to the sad bipolar condition attributed to Schumann. Two pickup players, slightly out of synch, build a psychological atmosphere full of distorted mirrors.

 

Program notes  for Dos #2  DieOrdnungDerDinge, Berlin June 2016 (in Spanish)
Colección de piezas compuestas en base al “Carnaval” de Robert Schumann. Música para violin, cello  y dos tocadiscos.

Este concierto se basa grabaciones en vinilo de música de Robert Schumann en contrapunto con nueva música compuesta por Cecilia Arditto para instrumentos en vivo. 
La grabación histórica congela una versión específica de la música que dialoga en vivo con otro presente musical en una clara metáfora sobre el tiempo: un tiempo congelado en contrapunto con un tiempo  nuevo.
Los tocadiscos son considerados también instrumentos musicales. Además de reproducir una grabación específica, cada tocadiscos, tiene un sonido particular en sí mismo, un aura, una historia que  imprime una cualidad especial en el sonido reproducido, trayendo no solo las grabaciones del pasado, sino sus características de reproducción.
Las grabaciones originales del Carnaval de Schumann están procesadas en vivo, utilizando los recursos propios de los tocadiscos: alteración del volumen, tono y distintas velocidades (16-33 ½, 45 y 78) y manipulación del vinilo, scratches, ruidos con la púa, etc, en un estilo “low-tech DJ”.
Dos esta  basada en el número Chopin del Carnaval op.9 de Schumann, reproducida en dos tocadiscos con grabaciones idénticas en un juego de velocidades cambiantes (16, 33 ½, 45 y 78 rpm) en contrapunto con  los instrumentos en vivo. Dos remite a la condición bipolar de Schumann y su diálogo constante con sus “alter egos” presentes en su producción musical.

 

Link artículo PDF “Modi cación de algunos parametros de una grabación en LP al cambiar la velocidad del plato” por Gabriel Abellán (Spanish)

Preparations

https://vimeo.com/579027979https://vimeo.com/579028004https://vimeo.com/579028033

1. Overview

2. Buttons

3. Pitch

https://vimeo.com/579028057https://vimeo.com/579028594https://vimeo.com/579032334

4. Finger gliss.

5. Speed

6. Speakers

https://vimeo.com/579032473

Improvisation with pickups and props

https://vimeo.com/142053950#t=436s

 Muziek als vinyls & tapes: Ratatouille TV- Amsterdam

Dos #1:

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Dos #2:
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Related works:

• Spiegeltjes (little mirrors) (2016)

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2020

[gtranslate]Para la macrobiótica el equilibrio no un estado absoluto que se alcanza per se, sino una acción continua y constante de fuerzas. El mismo principio se aplica para preparar una cena o para organizar la existencia.
El yoga propone algo parecido. Mantener el balance en las posturas implica una suma de fuerzas diversas, opuestas, complementarias y confluyentes.
En el arte, el balance se relaciona con una idea amplia del concepto de armonía: los eventos o materiales se organizan equilibradamente con la combinación cuidada de parámetros y variables.

Pensar el número 2020 conlleva a pensar en un futuro de ciencia ficción, lejos de ese lugar geométrico y aséptico de superficies platinadas. Nuestro presente es un futuro más a la Philip Dick, lleno de basura y miseria, de vieja tecnología y también de invenciones sutiles.
El flujo histórico no es una línea recta donde una ley armónica sigue a la otra y donde el ruido sigue a lo tónico. La historia es una melange  donde todo convive a la vez. Se legitima el pasado a la vez que se lo neutraliza. Los antes y los después son categorías mezcladas y a veces simultáneas.

Volviendo a los lenguajes artísticos, la pregunta es:  ¿Cuál es el sentido de tanta abstracción en un mundo que se cae a pedazos?
Una respuesta que me consuela es considerar la abstracción como una herramienta poderosa en una realidad salvaje. Es crucial seguir haciendo juegos mentales en un mundo hostil, como antaño dibujaban en la cueva de Altamira, mientras afuera se morfaban unos a otros y los meteoritos decoraban la tierra. ¿Antropología casera para justificar un par de multifónicos machucados? Y ojalá que no.
El equilibrio de las cosas, como en el cuerpo, se da de manera compleja. Diversas fuerzas se relacionan en el entramado infinito de causas y efectos. Los pequeños gestos también influyen en la maquinaria compleja del mundo. No me imagino un mundo sin arte.
Paradójicamente, el arte es especialmente importante para aquellos que no lo consumen explícitamente. Ellos, sin saberlo, se benefician de los efectos de su existencia (¡sí, ustedes, cabezas huecas!).
El arte hace un futuro mejor de verdad, no como el mundo mejor marketinero de Silicon Valley. Porque lo inservible del arte, su falta de utilidad y de propósito, es lo que lo hace esencial. El arte no tranza ni consigo mismo, y si lo hace, se convierte inmediatamente en otra cosa que ya no es arte.

Seguiremos trabajando, incansables al pedo y militantes de lo ínfimo.
Feliz año.

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La intimidad a los gritos

[gtranslate]En el año 2008 comencé a escribir este blog. Recuerdo el pudor inicial de compartir escritos nacidos en la intimidad, que con un clic estaban expuestos a todos los que quisieran leer.
Más de diez años han pasado y los límites con respecto a lo público y lo privado han cambiado exponencialmente, sobre todo con el crecimiento de las redes sociales.
La vieja internet, aquella de las páginas webs y blogs, todavía proponen una vieja escuela, donde uno va a un sitio a buscar algo, lo lee, lo comenta, se escribe con más caracteres y se necesitan de párrafos completos para expresar ideas.
Escribir un post en un blog es un acto menos espontáneo que reaccionar rápidamente en las redes sociales. La paradoja es, que el escrito meditado, permite una libertad y una sinceridad que en la interacción de las redes sociales es imposible. Lo espontáneo no es sinónimo de verdadero.
Lo público y lo privado ha sido siempre un tema interesante para los artistas, acostumbrados a expresar emociones o pareceres íntimos a grandes grupos de gente (¡no hay tanta multitud en la música contemporánea, ja, ja!).
Encuentro que lo que se muestra en las redes, en apariencia más expuesto,  es de una intimidad más evasiva. Una evasión sin misterio, con cierto aire de estafa.

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La vida de los otros

Girones del pasado

[gtranslate]Mi última obra se llama I love you. Es para cinta, diapositivas, flauta y guitarra y ventilador. La escribí para el dúo que componen Alu Montorfano y Yayo Orias Diz. Hicimos una presentación en Beta en febrero de este año en Barcelona, y muy pronto Yayo va a tocar algunos fragmentos de la obra en Buenos Aires, en una versión para guitarra sola, cinta y diapositivas. I love you es work in progress. Veremos adonde nos lleva esta obra-experiencia.

La vida de los otros

¡Qué flash!

Hace un tiempo encontré unas diapositivas de la década del 70 en un mercado en Holanda. Son diapositivas familiares pero extrañamente sin gente, perros, tortas de cumpleaños, ni salvavidas chillones. Las imágenes muestran una casa en refacción vacía: empapelado rasgado, tachos de pintura, instalaciones eléctricas, desperdicios…  La historia detrás estas fotos es para mí desconocida. También la casa y sus habitantes. Posiblemente sea gente de la década del 70 en un pueblo del sur de Holanda., cerca de Nijmegen, lugar donde encontré estas fotos. Posiblemente necesitaran documentar las refacciones de la casa por alguna razón, sucesión, venta. Las fotos son más bien testimoniales. Lo que me resulta raro es el formato de diapositiva para algo tan desangelado. La diapositiva siempre ha sido un lujo que conlleva el ritual de la proyección en una sala oscura e implica cierta magia.   Algunas de las grabaciones de audio que uso para la cinta de I love you son  también encontradas. No en un mercado de pulgas sino en internet. En uno de los audios se escucha a un chico componiendo una canción de amor en inglés. I love you canta un muchacho joven, probando acordes y escribiendo en un papel, parando, carraspeando, repitiendo y avanzando.

Ready-made

 

En mi I love you, el guitarrista en vivo dialoga con la cinta grabada. Yayo, mi guitarrista resultó ser un cantante romántico muy carismático. Una versión perfecta del ahora del chico de la grabación. El tiempo es rugoso, iterado, va y vuelve entre el joven componiendo la canción y un hombre adulto tocando fragmentos de una canción que si bien no se presenta entera, está terminada.
Las diapositivas proyectan en escena los ambientes de la casa creando una escenografía para los dos músicos de esta obra, un hombre y una mujer, o con lo que cada intérprete se identifique. Ellos habitan estos espacios en ruinas o en refacción, difícil de decir si I love you es un comienzo o un final.

 

Detalle de la partitura – diseño del espacio

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La realidad se supera a sí misma

[gtranslate]Thomas Hirschhorn, es un artista suizo que construye monumentos estéticos combinando materiales simples, como latas descartables, cinta de pegar o sillas de plástico, con materiales suntuosos, como un automóvil último modelo. Bombástico (como dicen en inglés) y precario. Magnificente y pobre a la vez.

Thomas Hirschhorn -Proyecto Dislocación- Kunstmuseum Bern

En el barrio de Chacarita, en Buenos Aires, encontré esta belleza en la calle. Si comparamos los dos work of art vemos que si bien en apariencia son similares, su espíritu es muy distinto. Salta a la vista el cariño del vecino para con su autito en contraposición al desdén de Hirschhorn para con su 4×4. Uno repara, el otro rompe.

Auto rojo – Genio desconocido – Olleros y Forest, CABA – Abril 2017

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In the mood of trash

[gtranslate]Un basural, la pequeña habitación de una pensión, el marco de una puerta: todo esto se transforma en el escenario esteticista de un amor prohibido. El caos y el desorden se transmutan en belleza extrema. Estoy hablando de la película In the mood of love del director Wong Kar-wai.
De manera parecida, en Bye bye Dragon Inn, Tsai Ming-liang enfatiza el refinamiento de lo casual: la maravilla de la gotera, la composición pictórica del callejón  de basura, la visión irreal del cine desvencijado. Me imagino al director de fotografía horas y horas estudiando el filtro verde pálido para mostrar un piso roto y mojado en todo su esplendor.
Tengo, en muchas de mis obras, una relación muy intensa con lo precario.  Relación que traspasa la escritura para verme en situaciones concretas de cargar 12 ventiladores en una bicicleta, transportar una colección de linternas mágicas en un viaje interoceánico, llevar un espejo de pie en el tren de Ámsterdam a Utrecht. En cuerpo y alma. Todo medio roto, medio viejo, a punto de romperse. Es una relación de índole fatal con los materiales, llena de adrenalina. Me encanta lo cotidiano, tal vez si escalara el Himalaya me aburriría.
Mi trabajo es el de elaborar la precariedad desde el control, llevando la fragilidad hasta el punto de obsesión férrea. Documentar la falta hasta que rebalse, extenuar la inestabilidad con rigor.
Y en este ejercicio se me va la vida, o mejor dicho, la encuentro. Una buena vida.

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Afterlife

In “Afterlife” the ones who already died want to communicate with us via electrical signals. Different electricity impulses in a neon tube generate a diversity of rhythmical patterns, both in sound and light. A microphone amplifies the lamp, in dialogue with a trumpet.
“Afterlife” expresses life (or its absence) in the realm of time. To the question “where are we going”, the answer is “later.”

“Music is made of time and expresses itself via frequencies.”

Afterlife is a spiritual license for the under-sound: these forgotten frequencies, like buried diamonds, are found in the zone of the unreachable buffers. In the threshold of our beliefs, our ears open up to the concept of “beyond audible”, troubling our understanding but not the pleasure of perceiving them.

“Talking frequencies, talking light, talking silence”

Objects like lamps, ventilators and radios are singing. Under an animistic perspective, they possess a distinct spiritual essence.
Let this project be a tribute to those buzzing, humming, whirring, hissing creatures that, raising from the electric cemetery of the obsolete, have an afterlife in my music.

 

https://vimeo.com/696967168

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